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本片成本404.1萬元．

 

1948年聖誕節在洛杉磯首映。

由於負面評價和令人失望的票房，紐約市的首映被推遲到1949年3月29日，隨後1949年4月22日在全美上映。

1950年，該片以《Tidal Wave》為名重新上映，試圖吸引不同的觀眾群以期獲利。但重映依然失敗。

該片在北美票房收入為 151 萬美元，被認為是票房慘敗，虧損慘重．

 

 

雖然初映時並未獲得好評，但如今它被奉為奇幻電影的經典之作．

 

《紐約時報》Bosley Crowther：

九年前，Robert Nathan在他的小說《珍妮的畫像》中講述一個年輕藝術家愛上鬼魂的脆弱而又令人傷感的故事。如今，大衛·O·塞茲尼克將其搬上了銀幕，拍成了一部場面宏大、情感濃烈的電影，其標誌性的高潮部分以一場呼嘯的颶風達到，足以讓你從座位上跳起來…

 

…塞茲尼克先生和他的團隊顯然意識到這部電影的不足之處，並試圖用一些喧鬧的場面來掩蓋它們。

他們大概也意識到，Nathan先生提出的「鬼魂可以以實體人的形式出現」的假設在銀幕上顯得有些牽強，需要一些新的元素來支撐這個幻想。

他們的做法是，每當虛構情節過於濃重時，就用大量的音樂、說教、吵雜聲和爆炸聲來烘托氣氛。

 

至少有一點他們是對的：Nathan先生的形上學故事確實很難用圖像藝術來呈現。

他提出的「一個早已死去的女人可以隨意地以實體形式出現，並以這種形式被一位凡人畫家所愛」的想法，在不被看到的情況下更容易讓人相信。

而這位年輕女子那些異想天開的特質──比如她能「聆聽星辰」──一旦被呈現出來，就幾乎令人尷尬。

故事中的這些微妙之處並沒有在電影中展現。

 

藝術家和鬼魂之間關係的幻想過於牽強，而約瑟夫卡登和珍妮佛瓊斯兩位主演的表演也未能改善這種感覺。

卡登先生飾演的那個愛慕並描繪幽靈的男子，神情陰鬱而嚴肅；瓊斯小姐則飾演的那個怪誕而又寫實的幽靈，大部分時間都笑容滿面、氣喘吁籲。

 

然而，配樂中那拉長的弓弦和結尾場面的鋪張浪費，正是影片中使其變得傷感而庸俗的元素。

冗長而毫無意義的旁白，著重探討“時間層次”，與那甜膩膩、矯揉造作的配樂一樣，都是情感的陷阱。而這配樂大量借鏡了德布西的作品，尤其是《牧神午後／The Afternoon of a Faun》。

 

最後，當一道綠色的閃電劃破銀幕，畫面隨之放大，劇場四周的音響如同綠色颶風般狂暴地咆哮時，Nathan先生的這則小寓言也徹底淪為庸俗之作。即使是最後那幅色彩繽紛的珍妮肖像，也無濟於事。

 

儘管影片中展現一些紐約的迷人風光和中央公園的冬日景色，伊瑟巴里摩飾演的畫商也表現得相當不錯，但除此之外，包括麗莉安姬許和大衛韋恩在內的其他方面和演員，都與整部影片大同小異，令人極其失望。

 

《綜藝》：

［珍妮的畫像］是一部非同尋常的銀幕愛情片。它以優雅、品味和莊重的筆觸，講述一段跨越兩代人的空靈愛情故事。

 

William Dieterle以細膩的導演手法執導這部影片，他的指導對精心挑選的演員們的出色表演起到了至關重要的作用…

 

珍妮佛瓊斯的表演尤其突出。她精湛的肢體語言賦予她所扮演的四個不同年齡段的角色以鮮活的生命力——從孩子到成熟女性。

巧妙的化妝也對角色的塑造起到了至關重要的作用。

 

約瑟夫卡登的表演也堪稱一流，與瓊斯的精彩演繹相得益彰。

 

 

《Slant Magazine》Ed Gonzalez(2001)：

William Dieterle1948年的傑作［珍妮的畫像］也印證了這個觀點。如同貧困潦倒的源十郎一樣，埃本·亞當斯與其說是貪婪，不如說是缺乏自我價值感，他與片名中的珍妮之間的關係，似乎正是源於他渴望超越孤獨和貧困帶來的絕望…

 

［珍妮的畫像］令人難以忘懷地展現一個男人痛苦的藝術創作過程，影片的精妙之處在於Dieterle巧妙地將創作衝動與不斷演變的精神危機聯繫起來。

當艾本學會用畫筆引導他的藝術靈感時，他意識到只有珍妮事先出現，他才能作畫…艾本與珍妮的關係逐漸演變成一種癮，也因此成為他必須克服的障礙。

這一切都是Dieterle精心策劃的：埃本不斷經受考驗，直到他能夠擺脫珍妮所代表的誘惑，繼續創作。

 

Dieterle在藝術與生活之間建構一種艱難的二元對立。

艾本是如何將珍妮融入他的畫作現實，而不是被她的幽靈所吞噬的呢？

珍妮似乎意識到自己已不復存在，但即便埃本前往珍妮據稱遭遇厄運的地方，他仍然拒絕相信她不屬於他的世界。

自從穆瑙（Murnau）的《Sunrise》以來，還沒有哪部電影像［珍妮的畫像］那樣，如此引人入勝、孜孜不倦地探討痴迷的本質。

艾本被迫親眼目睹珍妮死亡的重現，從而承認她的真實身分。

那麼，珍妮究竟是什麼呢？不正是至高無上的創造性（即精神）啟蒙的隱喻嗎？

 

Dieterle讓埃本經歷珍妮的死亡，才能讓他超越對她的記憶。

因此，這部電影是對每一位曾勇敢面對創作瓶頸的藝術家的獨特見證和致敬。

影片結尾，埃本不僅能夠擺脫繆斯的眷顧繼續作畫，也學會了欣賞周遭世界的簡單快樂。

Dieterle對色彩的巧妙運用與埃本的靈性成長相得益彰。

 

影片結尾，曾經沉悶的紐約城煥發出勃勃生機。為了增強效果，Dieterle用彩色拍攝影片的最後幾幕，但或許最引人注目的是，他精心設計的場景和嚴謹的自反式構圖，讓人聯想到畫布上那可塑性極強的表面。

Dieterle的風格選擇也凸顯了埃本本身也是一個不斷成長的個體。

 

直到Abel Ferrara的《Driller Killer》上映，才又有一部電影如此深刻而細緻地關注了創作過程中那種精神上的恐慌。

 

 

 

《Deep Focus Review》Brian Eggert（2020）

不知何故，一切都恰到好處，儘管或許並非如此。［珍妮的畫像］並非完美無瑕，但正如珍妮為了與艾本共度的美好時光而接受命運一樣，觀眾也同樣珍惜這部電影帶來的諸多愉悅。