大師的養成不是埋頭苦練，要思考作曲家學習背景與意圖來詮釋﹗
- 原來巴洛克音樂的”正統”authentic技巧，源自每個音樂家手抄譜曲上面個人特有記譜法(notations), 原本是個人不一的。
- 從前的大指揮家缺乏資訊，手下巴洛克音樂很死板(聽:卡拉揚的布蘭登堡協奏曲vs. 現在一個歐洲的小古樂團)。
這是上周六演講整理，本想簡單提綱挈領，卻越複習越著迷於知道"一位了不得的音樂家是以怎樣的邏輯與苦心去持續精進" 。
Rainer Zipperling演講好帥氣﹗不是因為他今日打扮得很man…而是當他說到那些譜記引領出演奏的詮釋時的投入與愉悅，很快便感染到整個課堂﹗
那日還有大師班，17歲的師大附中音樂班學生很傑出，示範巴赫無伴奏，所以我們很幸運可以聽到Zipperling大師很多詮釋上的示範﹕調整何時上、下弓(上弓重音下弓輕音)，某些時候應一弓到底；如何以更容易方式兩條弦上處理把位不必換太遠；把位要以音樂呈現為優先而非為炫技換到很遠的弦位；身體姿勢是要為了音樂的表現而自然出來，不是因為表演；最重要最重要的是，Zipperling先生大師赫然發現學生的譜”有錯”﹗所用的巴赫無伴奏譜上充滿錯誤譜記，他提醒樂手務必到International Music Score Library Project (IMSLP)去看正確的譜﹗
以下的「我」多是Zipperling先生自稱，以免贅字過多。(括號)是個人補充。◢表示有示範音樂要聽。
誰是Rainer Zipperling請讀【深情女聲‧極致巴赫】～泰斗加持福爾摩沙歐漂古樂團11月演出﹗
本次演出《巴赫清唱劇》兩齣與布蘭登堡協奏曲5號新竹11/1/ 7:30pm;台北演奏廳11/2週六2:30pm;台南11/3/3:20pm兩廳院購票請點此相關導聆請見敝人部落格或官網
【前言﹕Zipperling先生的中心思想】
(啊，這時我想，大師徜徉伸直在椅上的姿勢好帥好愜意)
先說音樂、語言、國度間的關係。我的理論是～所有人生來都具有「音樂性」(musical)。在我們出生前，娘胎裡聽到母親心跳，我們領略了首度的「節奏」經驗；出生後，父親與母親高亢低沉的差別、大小聲的差別，進一步分辨出「大小聲、高低聲」。這樣對聲音的理解，甚至還帶有聲音來源「情緒」的暗示(嚴格的、溫柔的)。
但是不同國度間，雖都有語言，卻還是各有其特色。例如當一個日本人寫德文的字(letter)時，字跡卻如羅馬字般方正；藝術上如十八世紀的繪畫、建築等也是國度間各有特色。
【特殊記譜法誘發大師好奇】
身為於音樂家，我的興趣集中於1650-1820年間的作曲家、時代背景、作品的差異。
《圖1》請見庫普蘭(François Couperin, 1668-1733)1724作品:Grand Trio Sonata最上面註明Les goûts réunis ("Styles Reunited").意思是the different taste together, (註: 庫普蘭系列作品融合了義大利與法國風格，副標題是Le Parnasse, ou Lapothéose de Corelli, 讓我們知道義大利作曲家曾對法國有所影響)
法國作曲家、巴赫、泰勒曼當時要遊歷各處並不方便，在不同語言環境下，卻能對不同國度作曲風格相當瞭解。如泰勒曼去了巴黎好幾次，而法國作曲家很喜歡泰勒曼的風格，又請他帶更多作品去巴黎。因之，泰勒曼得以了解如何以法式風格作曲。
【所以當時是如何記譜與標示呢﹖】
(最早幾乎各作曲家都有些特殊習慣，在古樂復興運動之初我們一度無法了解。)
《圖2》是Forqueray (法國作曲家1672-1745) “Viol” / “Viol da Gamba”(古大提琴)作品(Suite No.5 in C minor, La Leon, Sarabande [Tendrement))的原版手稿，可看到許多訊息。庫普蘭、馬雷曾抱怨過音樂家完全不照作曲家的方式彈奏。甚至還被說成﹕「作曲家怎麼寫得和音樂家演奏得不一樣﹖」(好衰﹗
)
*首先我們看這些音符是白色音符(White notations)而非黑圓點，而我找不到任何一本書解釋這個道理。其後我看到許多作品，當白音符出現時，節奏都很慢，情感很悲傷。
*其次我們看Tendrement指示，意思是tenderly (溫柔的)
*每個音符下面都有以數字標示指法(粉紅色圈圈))
*音符上面標示點﹕兩個點、或三個點點(藍色圈圈)，是指你應該用第幾個弦拉這個音，如此是為了得到他希望的音色(color)。
*裝飾音部份
★Vibrato平行的鋸齒線 (深紅色圈圈；中文常翻抖音，揉音可能更正確), 但這是以兩個指頭產生的Vibrato
★Vibrato垂直的鋸齒線(紅色圈圈)則是用一個指頭的Vibrato。
★接下來是trillo (不同音的顫音), 用逗號表示(淺紫色圈圈)
★另有些整排小黑點點(綠色長線)，沒有音桿的，表示快速的過弦，不要一個個音明確出來的效果
*有個p字(黃圈圈)指法文poussez(推), 也就是上弓up-bow
*還有個t字(黃圈圈), 指法文tirez(拉), 也就是下弓 down-bow
所以弓法都已經標出來了!
*大鍵琴部分可看到和絃，標示出了#不協和和絃處(淺藍圈圈們)，我們一眼就可看到張力點落在那裏，哪裡又是比較協和的地方
《圖3》馬雷(Marin Marais, 1656-1728)是他當代最有名的大提琴家(電影《日出時讓悲傷終結》或《書: 在世界的每一個早晨》中所敘述的男主角)。
圖3題目是"[Tableau de lopération de la taille by Marin Marais (1725)—a bladder calculus operation represented in music]"《膀胱結石手術圖》 ，也就是一個形容”膀胱結石手術”的音樂。
(當時膀胱結石的截石手術對於人們是很痛苦、無麻醉、死亡率很高的手術，據說旋律”兩隻老虎”原詞中的 Frère Jacques 就是個無牌截石醫師，參見拙作史上首宗醫療糾紛；而據說馬雷1720年代自己親身接受過此手術)。
《圖4》這個寫滿markings的手稿是18世紀某個老師寫給學生的，這位老師顯然不滿意學生詮釋，使用超過20個縮寫來作技巧指示﹕
★e (粉紅色圈)代表 enfler( to swell or inflate), 一種漸強crescendo或sostenuto , 一種加強表現的指示有如用力拉弦
★En pleurs (深藍色框)也是指重音(於此指明顯的), pleurs是heavy的，其他見下《圖5/6》說明(未包括圖中全部):如tap是要擊弓、pes要重壓弦、等等…。
◢聽德奧作曲家 Biber (1644-1704)試圖模仿青蛙叫聲的旋律，當音樂家已經有模仿的現成聲音時，會更容易知道如何表現(約3:56 ~5:06)
◢接下來我們便更能進階理解《圖4》馬雷《膀胱結石手術圖》其中的感受
譜上有馬雷寫整個旁白形容手術過程(譜上黃色菱形)，參考論文依次翻譯順序如下，Zipperling先生提醒處為褐色
- )Laspect de l’appareil (呈現手術器械)
- Frémissement en le voyant(在手術燈光下不寒而慄)
- Résolutions pour y monter(決定要做手術了，上﹗)
- Parvenu jusqu’en hault(手術台升到高點，這裡有兩個抖音，先為2指再1指的(《圖4》深紅框, 37’’-43’’)
- Descente dudit apareil (手術台的角度變成頭高腳低)Legato圓滑地下降音
- Reflexions serieus (serious reflexion 沉重的內省，在高處被眾人圍繞調，從原本B大調轉b小調的懸疑)57’’有個琵音記號(深綠框)
- Entrelassement des soyes entre les bas et led jambes(腿張開、腿腳與臀部的姿勢被思帶綁住不能動彈，這段位於正中央充滿#不和協音的緊張，接著兩段音符距離越拉越開，可能象徵腿部逐步被分開)、
- Icy se fait lincision(冰冷的切入；由於手術切入點有兩個，譜上也讓音型重複兩次；第二次音高更高，仿若手術者堅持要下刀不顧患者疼痛)
- Cy se fait l’introduction de la tenette(切開後放入勾石頭器械並拉動；此段反覆快速的高音已超出樂器正常音域有如疼痛的哭喊)
- Icy is pulled stone(手術者冷酷地把石頭拿出)
- Icy l’on perd quasi la voix (患者失去了聲音，此小節為空白暫停)
- Ecoulement du sang(血陸續流出，音型向下)
- Icy l’on oste les soyes(患者[我]意識模糊)
- Icy l’on vous transporte dans le lit(被冷冷地迅速地送到病床，時間只花三小節，音形向下好像是被拋下床似地，見下《圖7》】
像這樣的音樂，大家都很容易想像得出情境。
反之如下。當音樂不是模仿已知事物時…..
【簡單記譜法需要研習與思考】
《圖8》 是泰勒曼的作品，也是我知道唯一使用白色圓圈音符(white notation)當譜記的德國作曲家。這是受到法國作曲家的影響。這是他大提琴D大調奏鳴曲的極慢板獨奏(Solo)部分的譜，幾乎沒有太多譜記，音樂家必須自己揣摩是要說什麼﹖是大自然嗎﹖冰淇淋嗎? 手術嗎? 什麼樣的情感﹖
◢在此首先線索就是3/2拍與Largo極慢板。讓我們聽看看(請點入, 這不是老師提供的老師的錄音版本, 5:24’’-6:31’’)
各位聽起來感受如何?」 “Melancholy”, 很好…!
「不過對專家而言，裏面還有更多隱藏資訊～調性為何?」 「b小調」… 老師說BRAVO!; 「對位」… 老師說Wonderful!
★b小調意味著什麼?
巴洛克時代的管樂沒有現代樂器的按鍵，因此每個樂器吹奏出的絕對音調高低不盡相同。每個樂器彈奏不同曲目時，會出現不同的音色與情感，不同樂器也有不同的調律。後面《圖13》古大提琴不同調律法後面各有樂器暱稱，更證實不同樂器間絕對音調有差。
而每個調性感受也是不同的。音樂家會選擇特定調性，來呈現自己想表現的情感。
如巴赫兩個受難曲，於耶穌即將死前﹕
*《約翰受難曲》會出現一段美麗的Gamba solo 的Aria如下《圖9》(《約翰福音》29. And from that hour that disciple took her to his own home. 轉為B小調,在1:15’20’’起出現Gamba獨奏:
或《馬太受難曲》之前耶穌即將死前那段有名詠唱調◢Erbarme dich, mein Gott(點入, or 這版本有譜)也是b小調，都是用調性在強調感受。有意思的是我們因而可想像出作曲家的悲傷情感表現。
但是在耶穌即死後，兩個受難曲接下來調性便不同了﹕
*《約翰受難曲》裡B小調後耶穌死亡，接下來的是D大調，聽起來是種正面調性，意指耶升天了即將復活～因為在《約翰福音》裡，耶穌的死亡是件正面的事，他的死亡解除了世人罪惡拯救了眾生，所以巴赫安排D大調。
* 而在馬太(瑪竇)福音裡，《馬太受難曲》耶穌的死亡持續著負面的感傷，所以B小調後耶穌死亡，巴赫繼續的是C小調。
所以，當我當年錄這段音樂時，我的想法是﹕泰勒曼這首B小調意味著悲傷，巴赫用法也是。
★此外，這些白色的音符在法國用在喪禮的音樂。
★而泰勒曼用Largo又意指”不要急”。
★回到上上《圖8》譜上我還會以鉛筆做標記，提醒我自己不諧和音# (淺藍圓圈)即將出現，這幾個音符要hold住直到不諧和音#出現(加強並稍延長來做伏筆)，也就是前述上面法國人用的小”e”的意思。
這就是我如何詮釋音樂的道理所在。
【從記譜法發現音樂的無國度】
從上我們可見到義、德、法、英國度上使用譜記的差別。許多人如義大利音樂家風塵僕僕的騎馬或搭馬車去尋找資訊、靈感，其中一個著名的人是Francesco Saverio Geminiani (1687-1762, 在他的時代被視為音樂之神，地位等同韓德爾, 柯雷利)，在此《圖10》是Geminiani的大提琴奏鳴曲手稿，可看處出法國的影響﹗
* short introduction(短導奏, 黃框)
* dotted rhythm(圈兩個附點代表…其餘太多；也就是指法式演奏中的Notes Inégales =Uneqaual notes不等音/不平均音體系參考此文), 如overdotted quarters(紅圈的一個附點是unequal eighths create overdotted quarters, 法式演奏方式一個附點會彈成兩個附點的彈法);另還有overdotting為長附點音, 亦稱雙附點)
這首曲子創作地點在巴黎(雖也在義大利、倫敦)，你必須以「法式目光」去讀這位義大利作曲家的譜。
《圖11》是泰勒曼的為長笛與直笛寫的協奏曲TWV 52:e1的presto急板總譜一開始，譜上面兩條是笛子，下面是樂團。這裡也有不德式風格的寫法﹕譜上面的小小匕首狀(型如譜上紅色標示, 綠框處)代表你必須強調整個小節，雖是長音，音形是有重音的(如圖上粉紅色)，◢聽起來會像這樣請點入聽(非老師版本)，這是很明顯的波蘭民謠風格。
【研究正統詮釋是否有意義﹖】
《圖12》是巴赫在17世紀時的◢大提琴獨奏組曲第5號古樂版
* 前面有巴赫親筆以法文標示Suitte 5 discordable accord (但是謄譜的應不是他), 意思是A弦要調低成G弦(string A-string tuned down to G)這是他從義大利學來的調音tuning(scordatura), 早至17世紀便開始使用。一般大提琴的弦，調性是高至低為A-D-G-C 【5度-5度-5度】，而本曲則全改為G-D-G-C【4度-5度-5度】。
巴赫是個德國人，卻用法文解釋移調，他不但懂法文，還是用全音符開始，這段是法式序曲曲式；然後後面有3/8拍的賦格，這是完全不同的法式風格的賦格。
* 巴赫有許多slur圓滑線和法式不同﹕法式up-beat弱起拍有附點時會有圓滑線，巴赫的弱起拍附點不用圓滑線；因此粉紅色框那裏附點帶著圓滑線是有誤的～”he never slurred!”
(補充1: 下圖左是拉摩La Nuit一曲中老師所言的法式樣式；2019年4月牛津Early music 論文認為此版本尚在草稿階段evidently a working document.)
(補充2 : 沒錯在下圖右imslp可見這個附點是不存在的)
(from IMSLP)
此時Zipperling 先生拿出兩個巴赫BWV1011錄音版本﹕
- 1936版本使用基準音的音頻為440 Hz即現代音頻，演奏者完全不按照譜中的譜記，而按照自己意思詮釋。此外，他沒有把A弦調低成G弦，許多和絃無法拉出來，會跳掉一個音符。當然也牽涉到當時資訊不夠發達，研究尚未透徹之故
- 2002 版本使用A=400Hz，因為後來發現巴赫時代長笛，音高約在400Hz左右，低了超過半音以上，這版本很快，因還有一個魯特琴版(BWV995)～盧純英老師補充，巴赫這版本有五個，其中兩個在Prelude轉3/8拍上，多寫了法文”tres viste”(包括魯特琴版，見下圖), 亦即”極快”…這可能是複製稿子的人自己加上的～所以這版本也彈得快些﹗重點是﹕沒有少了一個音符的和絃(共鳴明顯更豐富)。盧老師補充，因為弦的張力不同，音色可能更暖，那麼現代樂團就做不到作曲家當初想要的效果(正統版)。
Zipperling老師並不想評論誰好誰不好，他說這是純屬個人口味 (Taste)、 感受、經驗的問題。
【古樂大師怎麼決定某曲目的詮釋?】
當Zipperling先生開始練某個曲子時，會試著尋找所有能找得到的相關資訊，如音調pitch、速度tempo, 節奏rhythm, 樂句劃分phrasing, 演奏法articulation, 與裝飾奏ornamentation…..而後最後必須找出自己的色調”color comes, which is the final touch! “(這是每位大師個人音樂色彩形成過程) !
●(1)調律法
下《圖13》可見22種不同的調律法(tunings),用在古大提琴(Viol da Gamba)上。
本圖證實了18世紀的人，有許多不同的調音律法。維也納時期海頓、莫札特的調音律法，和今日大不同，弦的張力會使音色較硬或較暖，但卻沒有任何現代管弦樂團這樣做～調音系統不同，導致今日音樂的呈現也就不同。音色的感受大為不同，無法符合作曲家當初的想法。
著名的『18世紀古樂團』，他們便採用上述維也納時期的調律法。
●(2)速度tempo-1
《圖14》說到節奏, Zipperling 先生問﹕「什麼是adagio? 」
聽眾﹕“slow”…”slow is Lento”大師說；“行走”….” walking是Andante”大師說；”slow walking”….”很有意思”….. 大師說。
其實Adagio是”at ease”之義! 也就是詮釋上不用太快，但指的不是速度，而是演奏的態度”at ease”﹗(confertable)舒適之意，但未必是慢。不要太快，而是舒適的演奏法。簡言之是”not too fast, but play at ease”! 每個人的認知上adagio就是slow…..但我們不能只看字面意思，也不能只看音符。需要揣摩背後的意義(知識要夠!)。
●(2)速度tempo-2
《圖15》 Geminiani (1687-1762)寫過有名的小提琴書, the Art of Playing on the Violin (解釋晚期巴洛克的詮釋)，下面譜上他說得很輕鬆，tempo giusto(粉紅框), 意思是正確的速度，這譜本來是他在表現他裝飾奏的能力。
但什麼叫做正確的速度? 其實就是你拉起來不會失敗的速度，德國巴洛克長笛家與巴赫專家Quantz (1697-1773, 在1752)書中說，也就是接近心跳的速度，不喘不累，也就是正確而舒適的速度。我們可以想像約在60-80bpm(每分鐘"四分音符"速度每拍為心跳舒適的速度)。
但其實隨著裝飾奏越來越複雜快速，也不是那麼簡單=)! 舒適感因人而異。(Well, 我沒法表達出大師形容節奏的歌聲，只能說每拍的裝飾奏，有時非常的繁多複雜。)
●(2)速度tempo-3
《圖16》泰勒曼譜有法式節奏標示，tres tendrement, 非常溫柔“Slow ,….but not too slow”，不是節奏上很慢，而是種稍慢而感到溫柔的程度，後來會有更仔細的形容如sognando?(dreamly)”They wanted slow, but it should not sound slow!
若你們注意到巴洛克之後，後來貝多芬的作品，他們已經不再覺光是以Allergo, Andante等簡單標誌是足夠清楚的，我發現至少有15種形容詞外加諸於快版Allergo之上。
●(3) 樂句劃分phrasing
最後要講樂句劃分(Phrasing)。我們看這譜《圖17-1》上的h, 是提醒吹笛者換氣的地方。對於拉弦樂器的人，我們並不需要換氣。所以我必須自己想出來差別在哪。
在看上《圖17-2》庫普蘭的古大提琴作品Les Nations 時，我拿出和Gamba有關的部分，你可見到逗號，他是唯一一位作曲家為弦樂演奏者把樂句分隔phrasing出來的(相對於更上面的管樂!) ～
我們可以回想像方才大提琴獨奏組曲第5號BWV1011兩個版本，
*版本A完全沒有樂句的劃分，到處都是legato(圓滑的)
*版本B則有情境開始與停止的區分。
●(4) 音樂修辭學(Rhetoric)
我曾和比利時長笛大師Barthold Kuijken(即古樂團長陳逸芬的老師)深談，他很好奇現代媒體對因音樂的影響，麥克風、各種傳媒(廣播)對於音樂修辭的影響。
例如﹕新聞廣播或電視在報導天災如地震等時，語調情緒通常很平淡，缺乏明顯情緒表達。但若是在聽二十世紀初的一些演講時，則和今日完全不同。
而足球比賽時，廣播員在進球時則又是興奮到了極點，動作很大表現很強烈。
我們應該考慮把這樣的表現方式用在音樂上。
音樂修辭學(Rhetoric)的技巧可以經由演奏法(Articulation)、節奏與強弱動態 (dymamics)、速度(speed)來達成。
★如巴赫的第二號無伴奏大提琴小步舞曲部分下《圖18》
它是3/4拍的(粉紅框)，但是到了小步舞曲Minuet, 它前面3/4，後面這裡有寫個”3”(藍框)。每個人兩段小步舞曲每小節都拉得一樣。而我的想法是﹕
* 3/4拍處～是每4個小節一單位(黃框)。如果你了解舞蹈，你會知道舞蹈最重要的是第二小節(綠框)，而巴赫的不諧和音也放在第二小節，此外每小節第三拍又是最弱拍(粉紅點)﹗而後第3-4小節又整體是漸弱的。這樣就接近了詮釋的方式。
* 寫3處～是每4個小節一單位(黃框)。最重要的也是第二小節(綠框)，而後第3-4小節又整體是漸弱的。每小節三拍，第1拍最重(應是沿襲早期跳舞的重拍)，第三拍為最弱拍(粉紅點)
(Wikipedia: 小步舞曲源於法國的三拍舞曲，1650年—1750年間主宰了歐洲貴族舞曲，早期小步舞曲大都是從第一拍開始，但到了古典時期則變成了從第三拍開始)
★如巴赫的第二號無伴奏大提琴嘉禾舞曲部分
* 上《圖19-1》嘉禾舞曲-1 Govotte部分為4/4拍～上拍(upbeat)為兩個四分音符(4 with 2 upbeats), 第3拍最重，最重要的還是第二小節，而後第3-4小節又整體是漸弱的(黃框)。(宮廷舞法可參考此)
* 下《圖19-2》第2個嘉禾，差別在哪? 這裡有寫個”2”(粉紅框)處。我會把它回到民俗舞曲形式(舞法可參考此連結)，以2小節為一個單位(聽起來重心是第一小節)，第一小節又以第二拍為重)
(國家教育研究院: 嘉禾舞曲是法國民俗舞曲由Lully推廣為宮廷舞曲。4/4拍子，通常開始於第三拍，上拍(upbeat)為兩個四分音符，而其樂句也通常開始及終止於小節的中央; 在巴赫組曲中，嘉禾舞曲有時被用於薩拉邦德舞曲(Sarabande)與基格舞曲(Gigue)之間)
●(5) 裝飾奏(遵循古法)
《圖20》我們可以看到下Telemann把裝飾奏分成很多類
而下面巴赫則直接寫得清清楚楚《圖21》而且非常複雜, 大師特別強調，這種寫清楚的裝飾奏他絕對不會去更改。(巴洛克時代的裝飾奏有很多特殊記號代表特定裝飾奏)
方才提到詮釋，給大家比較兩個布蘭登堡協奏曲第六號版本(Ziperling與Abbado合作的那首)
* V1卡拉揚: 老師很不喜歡，因為沒有任何詮釋: "no change at all, every note is the same"(難怪以前布蘭登堡協奏曲對我來說是催眠曲^-^)
* 然後他說隨便從書架拿個歐州並非很之名的職業小團，大家一聽就知道演奏的詮釋差別很大(我就找著網上的古樂團，忽然"催眠曲"變成"腦波舞曲"了﹗)
(Bremer Barockorchester 速度表情比較接近老師放的 )
這不是卡拉揚的錯，現在的資料庫讓大家很容易取得許多作曲家的手稿，了解揣摩當初作曲家的想法，不似我當初還得親自跑義大利等等圖書館，現在點個IMSLP就有許多資訊。在大師班，老師發現學生的譜有問題，再度強調務必找到正確的譜，不然會練錯。
所以如何做個好的巴洛克音樂詮釋者，尋找原始資料，研讀原始譜，而且要融會貫通～look at the sources and be well informed!
