Andy Warhol, Self-Portrait, 1986（圖引：http://2.bp.blogspot.com/_g4CejEiuQ0c/RvFvMzUTMtI/AAAAAAAABO8/jjhk-C4ljJE/s320/AndyWarhol.jpg）

【關於Andy Warhol的作品】

一、作品類別

1、平面作品：題材以日常生活用品，如可口可樂、康寶罐頭、一元美金…等與名人肖像，如：瑪麗蓮‧夢露、貓王…等為主。亦有以死亡暴力生死邊緣為題材，如：甘迺迪夫人喪夫後的面容、瑪麗蓮‧夢露的死相、車禍現場……等。
2、電影作品：內容缺乏敘述，挑戰與顛覆好萊塢既定符碼，其中包括對時間、性別認同的概念。
作品「睡」（Sleep）：拍攝一個人睡了8小時的過程。「帝國大廈」（Empire）為單一角度拍攝帝國大廈8小時。另有雙螢幕放映的實驗，最有名的是「崔西女郎」（1966年）及長達25小時的「★★★★」（又名Four Stars，僅於1968年放映過一次）。（影響電影雜誌82，p79）  

（圖引：http://item.slide.com/r/1/20/i/pHpE9npz4z_x0Up-JHIhzT5gFBwQMdDA/）

二、作品形式與技法

藝術成了複製品的複製品：結合攝影技術與繪畫，內容來自第二手的現實—即被大眾傳播媒體複製多次的影像，利用不斷重複單一元素的影像構築畫面，以連作系列的形式呈現。色彩的運用有單純的黑白，亦有使用強烈鮮豔的色彩繪塗於影像上。
Warhol的影像和它所呈現的素材之間有顯著的不同，其不同是美學方面的。Warhol的作品則常被稱為是不帶美學，甚至「反美學的」。如果我們願意去了解他故意用非正式具不精準的絹印方式、絢麗的色彩並用連作系列來作為構圖和表現的策略，就可以排除認為Warhol的作品乏美學「訊息」的看法。Warhol作品的美學特色對觀者而言幾乎是隱而不見的，因為Warhol已精鍊地自大眾文化和廣告的世界中將它提取出來。它的外觀是現代主義或反現代主義或矛盾的混合形態。

（圖引：http://www.eikongraphia.com/wordpress/wp-content/12%20Andy%20Warhol%20-%20Green%20Coca-Cola%20Bottles%201962.jpg）

【作品意含】

一、就題材而言

1、「反精髓主義者」（Antiessentialist）
Warhol對世界擺出一副「反精髓主義者」（Antiessentialist）的面孔，反對自己藝術具有內容，又反對自己表面的背後有一個自我存在，他說：「如果你們想要知道關於Warhol的一切，只需要看我的繪畫、我的影片和我本身的這個外在表面；我就在這裡，背後沒有任何物體存在。」
2、就符號學（Semiotics）而言
就符號學（Semiotics）來看Warhol的作品，他是以視覺作品去探討其他的視覺作品，及用意符（Signifier）去指涉另外的意符，而搭不上它的意指（Signified）。影像只是一個手段、一個創造、一個演員或一個物品，所有的畫面只是凸顯他只是一個意符而已。
3、藝術與消費文化（Consumer Culture）的結合
李奇登斯坦在回答他和Warhol藝術中缺少人性的特點時，提出普普藝術家藝術中另一重要的層面：在一高等的消費文化中由於對生活的麻木而產生一種常見的傾向，就是將「相似的東西當成是一模一樣的」。經由手工的現成品的結構，使人們理解普普物體和大眾文化中的物體在本體上有所不同。
4、私生活的公眾廣告化
攝影的時代正巧應合了私生活闖入公眾生活的時代，或當言攝影正配合了一種新社會價值的創造：這個價值即私生活的公眾廣告化。換言之，私生活被公開消費（新聞界對影視紅星私生活的不斷攻擊，以及法律方面愈來愈多的窘事，足證此一演變）。

（圖引：http://blog.mlive.com/grpress/2008/03/large_Andy-Warhol-flowers.JPG）

二、就形式而言

1、 病原學（Etiology）解釋文化現象
克勞絲在討論現代藝術一般範疇中的格子性質及運作時，以神經症的病原學上的壓抑與精神分裂來類化，將它用在文化現象的解釋上。就神經症的病原學而言我們可能用個體的「歷史」來檢查神經系統的結構形成之原因；而一旦神經症形成，我們明確的被禁用「發展」的想法，而以「重複」來取代。
2、 反映後現代主義的病徵：「碎散」（Burn-out）
詹明信（Fredric Jameson）認為Warhol的作品反映後現代主義的病徵：「碎散」（Burn-out），碎散是已經沒有自我存在，就像吸毒之中所見，世界變了形，同時沒有任何兩個時刻是連在一起的，自己也碎散到失去自我、失去身份。他認為那些格子狀的夢露影像系列，乃是人吃了迷幻藥以後帶來那種支離破碎的感覺（Hallucinogenic），才會看到的景象。
3、靈光（aura）消失
Warhol以相片結合絹印技術，具有Warhol藝術技法創意的主要精神，使得大量製造與藝品發行成為可能，也因此具有產生政治功能的潛力。絹印畫一如相片與電影，使許多世紀以來與藝術賦合在一起的靈光（aura）消失。
4、優秀的美術館藝術
觀眾在展覽裡看到和街道一樣的圖像……像……，「生活與藝術」在美國式的生活裡劃上等號。到處都是罐頭：在超市、在海報上、在Warhol的絹印裡，展覽裡的罐頭有Warhol簽名的真本罐頭。然而被藝術家塑造成藝術的罐頭並沒有出現在超市裡，而是在展覽室裡，在私人收藏裡，只有在那兒的才叫做藝術。如果沒有藝術保留區的話，根本沒有所謂的普普藝術……它們不過是藝術保留區裡的藝術，在之外，就只是罐頭或廣告中的廣告。

（圖引：http://blog.lib.umn.edu/amin0037/amin/andy-warhol-marilyn-thumb.jpg）

【敢秀才會紅】

儘管藝術界對Warhol的行為表現與作品褒貶不一，但是在六O年代的藝壇中，Warhol不啻為一爭議性的人物，他對消費文化的敏銳反應、對宣傳文化的積極發揚，在在為後現代的藝術生態運作模式起領帶頭作用。其作品中大量運用攝影與繪畫結合的創作技法，掌握攝影「稍縱即逝」的特質，彰顯一個時代獨特性的形象，試著用作品建立一種時代的精神面貌，既屬於大眾的，亦屬於藝術殿堂的，既有表象描繪，也暗示了內心活動，就這點來說，Warhol確實成功的將「剎那」與「永恆」結合了起來。（許綺玲，攝影與社會的對話-安迪‧沃荷的普普藝術， 《現代美術56》，p12）這一點，同時也確認了班雅明（Walter Benjamin）所宣告的機械複製時代的藝術走向；作品中創作題材、內容與大眾生活緊密結合的方式，敦促了日後藝術型態的發展趨勢，諸如繼起的集合藝術、環境藝術、偶發藝術…的產生，無一不是具現了把「現實」作為藝術思考的傾向，這個受到大量資訊傳媒所渲染拱擁的「現實」，在六O年代鋪陳了一個真假虛實交錯的美國神話。日後，只要人們再想起瑪麗蓮‧夢露的性感、貓王的風采、甘迺迪的不幸……，透過藝術作品去閱讀這個神話年代，神話的敘述者—Andy Worhol絕對是不會被遺漏的話題人物。

Andy Warhol本尊（圖引：http://justinsimoni.com/images/performance/andy_warhol_hates_it.jpg）

PS：本文為CJ年少輕狂時之作，若有不周之處，敬請指教